dissabte, 11 de juny de 2011

Le déjeuner sur l´herbe


Título: Le déjeuner sur l´herbe
Autor: Manet, Édouard
Fecha: 1863
Estilo: Impresionismo
Técnica: Oleo
Soporte: tela; 2,08 m x 2,64 m
Localitzación actual: Museo de Orsay,  París







Contexto histórico: El impresionismo es una corriente nacida en Francia como evolución natural de los pintores conocidos como la Escuela de Barbizon interesados en la pintura a plein air.

El elemento que unifica todos los artistas de la corriente es el interés para captar el momento concreto tal y como lo ve el ojo humano, denotando una influencia de la fotografía.
El nombre los fue dado el 1874 por un crítico de arte haciendo referencia a una pintura de Monet que traía por título Impresión. Nos encontramos en los años en el que Europa entra en la modernidad

Elementos formales y técnicos: Oleo sobre tela donde destaca el color, sobre todo el predominio de verde con una amplía gama del color, vivos u oscuros dependiente de la luz. Encontramos una innovación en cuanto a las sombras, puesto que se empieza a utilizar el color del cual se proyecta, pero en mas intensidad. Destacamos los blancos y los negros, el cuerpo blanquinoso de la chica desnuda con el contraste de la vestimenta de los dos hombres.

De alguna manera el color tiende a ser plano, sin sombras y no hay degradación de las tonalidades. En cuanto a la luz es natural, en el que se proyecta unas sombras con entidad propia, con una mancha de color metida en medio, como si fuera otro dibujo. Por último la pincelada se suelta.

La composición es piramidal, cada figura parece que vaya independiente de una de la otra.

La composición no es unitaria sino dispersa, hay desproporcionalidad, como si nos quisiera engañar o que Manet no sabe perspectiva.

Significación: Escena cotidiana, un retrato cotidiano, tres personas que están haciendo una comida en un campo, pero que podría tener un trasfondo que se desconociera. Algunos historiadores del arte dicen este cuadro habla de búsqueda pictórica (de la pintura y los colores).

Función de la obra: Exhibida al Salo de 1863, pero estos salones tenían normas y que finalmente no fue expuesta este salo y fue finalmente expuesta en uno salón paralelo nombrado Salo de los Rechazados que incluso se piensa que el propio pintor pagó para crearla. Por lo tanto, tiene una función decorativa para la venta.

Destacar relaciones e influencias. Manet ha tenido influencias españolas (Goya, Velazquez...) y Giorigiones (Tiziano...). En cuánto, a influencias posteriores Picasso hará versiones de los cuadros de Manet.

Estilo: Búsqueda de un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo y subjetivo. El elemento que unifica todos los artistas de la corriente es el interés para captar el momento concreto tal y como lo ve el ojo humano, denotando una influencia de la fotografía. Piensan en el color como una modalidad de la luz y en la pintura como una suma de tonos de luz.

Desaparición del claroscuro. Las sombras se pintan con toques de colores complementarios al del objeto que la provoca. Pintan a pinceladas sueltas y yuxtapuestas. Pintan al aire libre.

Sol ixent

Título: Sol ixent
Autor: Monet, Oscar – Claude
Datación: 1872
Estilo: impressionisme
Técnica: oleo
Soporte: tela; 48 cm x 63 cm
Localitzación actual: Musée Marmottan








Contexto histórico: El impresionismo es una corriente nacida en Francia como evolución natural de los pintores conocidos como la Escuela de Barbizon interesados en la pintura a plein air.El elemento que unifica todos los artistas de la corriente es el interés para captar el momento concreto tal y como lo ve el ojo humano, denotando una influencia de la fotografía.
El nombre los fue dado el 1874 por un crítico de arte haciendo referencia a una pintura de Monet que traía por título Impresión. Nos encontramos en los años en el que Europa entra en la modernidad

Elementos formales y técnicos: Se trata de un oleo sobre tela donde destacamos la gama de colores rosados y azules que forman la atmósfera de buena mañana, con un punto mas vivo con el reflejo del sol que ilumina y da vida al cuadro. En cuanto a la pincelada es suelta, ancha y larga. En cuanto a la luz, es una luz natural. En referencia al espacio tridimensional, la manera de tratar la perspectiva es difuminar aquello que esta mes lejos, con una simple mancha define formas (barcas, personas...) Se trata de una composición esta formada por las 3 barcas que hacen un eje diagonal, se puede hablar de un cierto orden y equilibrio en las formas y los colores del sol y la barca negra nos marcan la referencia del cuadro.


Estilo: Monet es un hombre que vivió muchos años y al final de su vida estaba casi ciego, incluso sin darse cuenta hacía pintura abstracta y él no se daba cuenta de esto.


Iconografia: Se trata de un paisaje portuario en el que se ve la salida del sol de buena mañana, se muestra el regreso a las ciudades y, en el cual, los pintores, pintaron en el aire libre la ciudad como tema.

Significado: La existencia de la fotografía marcó la salida de estos cuadros.

Función de la obra: Exposición de 1874 en un estudio de fotográfico , que se llamaba Nadar, donde se instaló este cuadro y que expresa una nueva concepción artística.

Destacar relaciones e influencia. Las influencias que recibe Monet son del arte japonés que en aquel momento se difundía por Paris, en el que él coge solo los principios básicos, no copia el estilo. También recibe influencia de Delacroix.

Los jugadores de cartas


Título: Los jugadores de cartas
Autor: Cézanne, Paul
Datación: 1890 – 1895
Estilo: postimpresionismo
Técnica: oleo
Soporte: tela; 47 cm x 57 cm
Localitzación actual: Museu d´Orsauy, a Paris





Contexto Histórico: Los postimpresionismo (neoimpresionismo) supone una revisión y una superación de los principios que daban la exclusividad a la cuestión de la luz dentro de la escuela impresionista. Algunos artistas creen que vale la pena analizar aquello que incide sobre la luz.

Estilo:
• Obra: Cézanne introduce la técnica y la estética impresionistas, y en la pintura de plein air. Aplica la reducción de sus obras a figuras geométricas, que por él eran la esencia básica de todos los objetos. Por lo tanto es considerado el antecesor del cubismo.

• Autor: Sus influencias son: Tintoeretto y Caravaggio, El Greco, Zurbarán y Ribera y Poussin. Gran influencia también de las estampas japonesas (Toulousse-Lautrec, Van Gogh) que se nota en el tratamiento de la tercera dimensión y del color y en el perfilado de los sujetos.
Analisis téncico y formal: Se trata de un oleo sobre tela donde tiene una limitación de colores, lo que se llama una paleta limitada. Es característico, porque pensaba que demasiado color distraía y no se veía el volumen que quería expresar. En cuanto a la pincelada es ancha y libre, que nos marca diferente zonas de diferente color para construir las figuras. En cuanto a la luz intenta dar un entorno a luz natural de manera frontal. En referencia al espacio tridimensional, tiene una perspectiva aérea cromática. Por último, la expresividad, es un cuadro quieto estático, tiene una expresividad sutil.
Se trata de una composición cerrada que tiene un centro, donde se unen las miradas en las cartas, y es donde la acción se está desarrollando, podemos ver que un personaje no se encuentra entero.

Iconografía: Son unos jugadores de cartas en un bar de pueblo, en este caso es como una excusa para hacer el cuadro.
El señor que no fuma es el que está esperando para echar las cartas, y el del cigarro da una sensación de ganador de la partida por su postura más relajada.
- La concepción que tiene Cezánne de la natura se reduce a simples volúmenes geométricos, por lo tanto los cuerpos de los jugadores son tratados como un cilindro.

- La botella es el eje central.

- La parte izquierda es más grande y el cuerpo del jugador está entero, lo cual no succeix con el adversario, con esto Cézanne intensifica el enfrentamiento.

- La tensión de la composición recae sobre los objetos de encima la mesa (donde se desarrolla la acción) y en las manos de los jugadores (donde se mantienen las miradas)


Función
Función pictórica, sólo pretende plasmar un hecho cotidiano.

Significado
- No fue ninguna persona quién le encargó la obra, la hace él mismo por gusto, es el que se denomina el arte por el arte

- Una interpretación afirma que era la lucha que tuvo el pintor con su padre para que aceptas su pintura y estilo de vida.

- Una otro interpretación sugiere la posibilidad que fuera el mismo Cezanne quién se enfrentaba a si mismo haciendo alusión a las propias contradicciones interiores

La vicaria

Título: La Vicaria
Autor: Fortuny i Marsal, Marià
Datación: 1867 – 1870
Estilo: realismo
Técnica: oleo
Localitzación actual: "Museu Nacional d’art de Catalunya, a Barcelona"





Contexto histórico: El año 1848 (un año después de que se pintara el cuadro) se había establecido el realismo como punto de inflexión de la historia, esto supuso el fin del reinado de Luís Felipe de Orleans y la instauración de la segunda República.
Es también el 1848 cuando se publica el Manifiesto comunista y se intensifica la lucha de clases. La oleada revolucionaria de 1848 afecta en toda Europa. La filosofía positivista valora la ciencia como instrumento del desarrollo humano.
En este contexto surge una nueva generación de intelectuales y artistas como Balzac, Dickens o Sola, muchos de ellos comprendidos políticamente.

Estilo: El realismo de Courbet consiste en pintar las cosas tal como son. Él se imagina la escena tal como seria y la pinta sin ningún tipo de disimulo.

Análisis formes y técnico: Oleo sobre tela en el cual la gama de colores predomina el negro, dando un contraste con los rojos combinados con el ocre. En cuanto a la luz, Courbet intenta reproducir una luz de buen día, una luz real. En cuanto a la expresividad, es un cuadro no muy expresivo de forma global, pero no obstante podemos observar la cara de cada personaje que nos muestra una expresión individual, la pincelada es pequeña y meticulosa. La composición cada vez es más moderna, no vemos el final de la habitación con una sensación de amplitud i da una sensación de no saber donde acaba la habitación, el punto central del cuadro es el sitio donde está la firma de papeles.

Iconografia: representa la firma de un contrato de matrimonio en las oficinas eclesiásticas. el artista presta una gran atención a los detalles de los vestidos, la decoración de la sala y el ambiente.

encontramos representados 3 escenas diferentes, en una misma disposición asimétrica de los personajes, mucho más concentrados a la derecha- descripción de los grupos:
1r grupo: conjunto de dos figuras en plena conversación, marcadas por la biblioteca.
2n grupo: el centro de atención, punto de fuga el novio, la novia y las invitadas vestidas a la moda del s.18 en pleno s.19.
3r grupo: penitente q pide limosna para las almas del purgatorio, con una alfombra de separación de los 2 grupos. Pueblo bajo torero q parecen esperando el turno y un hombre en la oscuridad, la alfombra amarilla a sus pies contrasta con el suelo marrón del resto de la sala y sirve de elemento distintivo entre ambos grupos a pesar de la presencia de una de las damas en un rincón de la estera, q hederá simbolizar una cierta condescendencia capa los menos afortunados.

Significación: Se trata de una escena costumbrista, un casamiento burgués, inspirado en uno de los muchos de la vida del autor que se casó, parece ser autobiográfico. Enfoca el tema de una manera moderna, un tema cotidiano y es un cuadro de medidas pequeñas

Función: Cuadro realizado para la venta y puesto en las galerías y salones para la posterior venta a particulares, función decorativa, expuesto al público, incluso, visto desde la calle por el escaparate.

Influencias: Tal y como hizo Delacroix, descubre la luz y el color del continente africano, influencia que no la dejará de lado al futuro. Un breve paso por Madrid le permite estudiar la pintura de Velázquez y Goya, quienes serán su influencia e inspiración para la composición de la Vicaria.

La libertad guiando al pueblo


Título: La libertad guiando al pueblo
Autor: Delacroix, Eugène
Fecha: 1830
Estilo: Romanticismo
Escuela: francés
Técnica: Oleo
Medidas: tela; 2,60 m x 3,25 m
Localización actual: Museo del Louvre, en París





Características. Estilo: Delacroix domina el movimiento, el drama, acciones tensas. Predomina el color sobre la línea, la pincelada es suelta y pastosa, la luz llena la atmósfera y las composiciones son dinámicas. A los románticos les gusta los temas de la actualidad, un claro ejemplo es esta obra.

Composición: Se trata de un oleo sobre tela donde destacamos los colores ocres, y los colores de la bandera francesa, el rojo, balnco y el azul.
En cuanto a la pincelada es suelta. La luz irreal, a pesar de que puede parecer real se ve que las figuras están iluminadas pero no se sabe de dónde, por lo tanto da una sensación de irrealidad.
Por último, en la expresividad encontramos un gran dinamismo y parece que diga “el pueblo está en movimiento en plena acción”, y esta acción viene hacia nosotros.

Iconografía: Se trata de una composición piramidal, a partir de un vértice que es la punta de la bandera que sostiene La alegoría con grandes similitudes compositivas con la obra de "La balsa de la Medusa".
En primer lugar la alegoría, mujer representada con un gorro frigi, también encontramos diferentes figuras que representan diferentes estamentos sociales: el señor con una escopeta y un sombrero de copa que sería un burgués; el que trae una banda blanca sería un menestral, el que esta a punto de morir un clase popular y el niño que representa la juventud del pueblo. Al fondo podemos encontrar la torre de Notre Dame.

Significado: La mujer, da juego al sentimiento de libertad que querían los franceses. La representación de las diferentes clases sociales nos da a entender que en aquella revolución todas las clases sociales juntaron para luchar en contra la monarquía absolutista. La obra no fue encargo de nadie, tal y cómo dice una carta que envió Delacroix, hace este cuadro porque al no poder participar en aquella revuelta, él intervenía pintando los hechos.

Función: Obra para mostrar en el Salón de Paris de 1831, propagandística y revolucionaría, además, con el tiempo es una función conmemorativa, puesto que fue adquirida por el rey Luís Felipe y después retirarlo del público y hasta 30 años después no se demostró que también era un cuadro simbólico.

Influencias: Delacroix parte de Miguel Ángel (de la terribilidad, la fuerza del cuerpo) y sobre todo de Rubens (composiciones dinámicas), también conoció la pintura de Goya, Delacroix domina el movimiento, el color, el drama, acciones tensas...
Tendrá admiradores posteriores como son Cezanne o Picasso

EL grito


Título:El grito
Autor: Munch, Edvard
Datación: 1893
Estilo: expresionismo diferente que ser expresionista
Escula: Alemania
Técnica: Oleo y temple
Medidas: cartón; 91 cm x 73,5 cm
Localización original: Nasjonalgalleriet, en Oslo (existen 50 copias)








Contexto histórico: Estamos en pleno modernismo en Europa, y arrasa completamente en las ciudades una referencia por los temas de la naturaleza, las líneas curvas e impregna todo lo que sucede.
En este año encontramos el momento ágil de la industrialización que crea una sociedad más individual y que provoca sentimientos negativos a las personas. También hay un desarrollo científico que aumenta el sentimiento de soledad.

Características: Estilo: el expresionismo critica la sociedad, busca la libertad social del individuo, tacto con ironía a las clases altas. Los expresionistas pintan lo que sienten, imágenes como caricaturas, las figuras humanas se reducen a elemento simples y exageran los elemento lineales. Se inspiran en la tendencia del arte negro africano y por lo tanto, utilizan colores fuertes y violentos.

Composición: Se trata de un oleo y temple sobre cartón donde destacamos los colores en dos gamas: frío, azules, lilas... y cálidos, rojos, amarillo, naranjas... se contrarrestan con el azul del mar, en una ciudad portuaria, es un fiordo Noruego (es como una río dentro de la tierra) En cuanto a la pincelada es muy libre, suelta con figuras con poco tratado porque así pretendía mejor para expresar lo que él quería. En cuanto a la luz, es una luz irreal, de la misma forma que lo puede estar un cómic. En referencia al espacio tridimensional, la profundidad nos la da la barandilla. Por último, es un cuadro con una gran expresividad en su conjunto.

Iconografía: Se trata de una composición con dos zonas diferentes, con la figura como centro del cuadro, que todavía no queda bien claro su sexo, equilibrada con las otras dos figuras, pero sobre todo destaca la separación que hace la barandilla, separa una zona donde hay las personas, donde hay el predominio de las líneas rectas y después traspasando la barandilla hay muchas curvas y mucho movimiento, dando así una sensación que el individuo se integra más en la fuerza de la naturaleza que no en los elementos constructivos del hombre. Parece ser inspirada en una momia que vio en el Musée de l´Homme de Paris, el tema es de él, pero no la figura.
- El ritmo se encuentra divididos en dos formas diferenciadas
1. inferior izquierda predominio de las líneas rectas
2. parte superior predominio de las líneas curvas y la figura que se integra más con la naturaleza y no a la barandilla del cuadro.

Significado: Esta obra no fue encargada por nadie, puesto que nos encontramos en una época donde el pintor crea su obra cuando él quiere y donde expresa sus sentimientos más interiores, el llamado arte por el arte. Para entender la obra de Munch perfectamente, hay que saber un poco de su vida, por lo tanto, esta angustia que refleja el cuadro se fundamenta en que desde muy pequeño perdió a su hermana ya sus padres, es decir, estuvo rodeado de la enfermedad, la muerte y la locura desde muy pequeño y se ve insignificante en frente al poder de la naturaleza y del control del destino de un mismo.

Función: La función de este cuadro es expresión del mundo interior del artista. Fue creada por que Munch y vuelve a plasmar con oleo aquello que él sentía en su interior, aquella angustia que tenía. Además Suponía una obsesión ya que existen 50 copias de la obra.

Influencias: Las influencias posteriores mes destacadas son: Toulosse, Gaugin y los postimpresionistas, en cuanto a sus precedentes, sería Van Gogh.

Los primeros frios


Los primeros frios
Autor: Miquel Blay
Cronología: 1891-1892
Localización: MNAC
Estilo: realismo
Técnica: talla
Escultura... : exenta
Material: mármol blanco
Tipología: grupo escultórico
Medidas: grandeGénero: realista figurativo
Estado de conservación: bueno






Contexto histórico: Ha nacido una nueva corriente artística el Modernismo, renovación *enfront al academicismo. En Cataluña el modernismo se empieza a entrar al 1888 en que se encuentra la Exposición Universal en Barcelona y en España no hay demasiada euforia, pérdida de las ultimas colonias españolas en América y el fin de la guerra de Cuba al 1898.

Análisis formal: Se trata un grupo escultórico en mármol pulido, la chica es mes insinuada que el hombre, ya que él es más preciso y más detallada i sedente porqué esta sentado. La escultura tiene un punto de vista frontal, de volumen redondo donde destaca el color del mármol y una textura pulcra, con formas cerradas, escultura muy expresiva y estática, con puntos de vista formales, aunque se puede circunvalar porque se ausenta.

Las líneas horizontales son el asiento donde sueño sentados, y verticales el viejo, y diagonal por la niña. Las flores y plantas de atrás son para equilibrar la escultura. El hombre (el abuelo) está ligeramente triste y abatido, con un pasado k era fuerte por los hombros gordos, con unos labios como punto de llorar y unos ojos perdidos, la niña mirando hacia arriba buscando la protección.

Composición: El abuelo se realista y tiene las características siguientes: tiene frontalidad, hieratismo, el rostro es viejo y arrugado y se le ve entero. En cambio a la chica tiene un estilo modernista, el rostro medio escondido, cabellos largos. En el abuelo predomina la línea recta y ángulos rectos(en las piernas un triángulo). La chica en cambio predomina las líneas curvas(hace la forma de una S). El abuelo muestra la actitud de dignidad dentro del sufrimiento mientras q ella líneas ondulantes y su piel se presenta como difuminada, mientras q la de él es cómo muy seca y se le ven las arrugas; presenta la idea de vejez la niña la idea de niñez. Los dos son vulnerables.
ES una composición piramidal y el vértice esta en la cabeza del hombre. EL tiempo es atemporal –en ella el tiempo es + atemporal pq tira + hacia el simbolismo, en él en cambio el tiempo es + concreto pq es + realista; pero podemos decir q el tiempo en general se atemporal.

Estilo:
- Obra: es la primera de Blay y se aprecia la influencia que tiene de Henri Chapu, y un gran parecido al de Edip en Colonna. Se aprecia un detallismo anatómico y el anecdotismo del banco. Se hizo cuando Blay permanecía en Roma
- Autor: tenía un estilo muy personal y una gran facilidad para trabajar la expresividad. Empezó con el realismo y después evolucionó hasta el simbolismo y el modernismo

Iconografía: Un hombre viejo y débil que muestra una actitud consoladora a la niña que tiene al lado. Ella busca con todo el cuerpo su protección del frío mostrándose indefensa. él mira directamente al espectador de una manera digna mientras que la chica envía una mirada furtiva a su protector.

Significado: El viejo se encara al espectador y muestra con su expresión la voluntad de superar su sufrimiento para proteger la chica.

Función: Función decorativa pero sobre todo ilustrativa de la situación de miseria de ciertos sectores sociales. Es un punto de una cierta critica social

El pensador


Título: El pensador
Autor: Auguste Rodin
Cronología: 1880-1900
Localización: Museo Rodin
Estilo: impresionismo
Técnica: fosa
Escultura...: exenta
Material: bronce
Medidas: grande
Tipología: sedente
Género: filosófico figurativo






Contexto histórico: La Tercera República Francesa. La burguesía liberal, que se había opuesto al despotismo del Segundo Imperio, entonces asumió el poder después del desastre de la guerra francoprussiana del 1870 y de la experiencia de la Común de París. Enriquecida gracias a la Revolución Industrial, la expansión económica y la especulación financiera, esta burguesía miró hacia el presente y hacia el futuro y no tenía nada de interés por los vestigios del pasado. Las evocaciones históricas o mitológicas de las obras academicistas que se ofrecían a los salones oficiales de artistas franceses ya no se correspondían con la estética de esta nueva clase social que subía, los principios y los valores de la cual se reflejaban en las ideas de independencia, sinceridad e individualismo. Rueden se nutrió, de estas ideas, para la aplicación de las cuales buscó los medios más adecuados, cosa que lo trajo a desarrollar un lenguaje artístico nuevo, completamente opuesto al de la escuela de la Academia. Rueden empieza con el realismo, simbolista y desprendido impresionista que empieza con a romper con la pintura y escultura tradicional

Análisis formal y ténico
-Elementos técnicos: Escultura sedente de volumen redondo, hecho con la fundición en bronce ubicada al Museo Rodin de Paris. La técnica que hace diferente Rodin de los otros es el molde, la base lo hace con las manos y deja este acabado que mujer una imperfección, rugosidad a la escultura y quiere que quede presencia de este trabajo manual. La rugosidad de la escultura hace que dé mas intensidad y fuerza en la escultura.

Composición: -El pensador ilustra un hombre, con los brazos, las manos y los pies bastante exagerados, en actitud reflexiva. Tiene un realismo sin precedentes, un naturalismo raramente visto desde la época clásica. 1 de las características principales es su relación con la materia. El artista quería simbolizar la expresión dl pensamiento torturado en abandonarse del trágico destino de la humanidad. El pensador involucra todo su cuerpo en la acción de pensar. Todos sus músculos están en tensión. La factura poco pulida de la estatua provoca, en su superficie, fuertes sombras q ayudan a transmitir al observador el sufrimiento del pensador.
-Es una escultura cerrada en sí misma: La mano Izquierda descansa encima de la rodilla izquierda y la mano derecha sostiene la cabeza cerrando el gesto con el codo derecho apoyado también en la rodilla izquierda.

-Elementos formales: El punto de vista es multifacial.
Las formas cerradas del Pensador evidencian la tensión de un cuerpo vigoroso, cerrado en él mismo, la vida espiritual del cual se expresa en el empujón y la fuerza interior del volumen.
La estatua de Rodin sigue la diagonal ascendente de la testa inclinada adelante, a la cual se añaden las direcciones opuestas de piernas y brazos. La torsión del cuerpo, como que el codo derecho descansa encima de la pierna izquierda, favorece la multiplicidad de los puntos de vista del espectador, que tiene que rodear la estatua moviéndose en torno suyo.


Estilo:
Rodin estudia apasionadamente la escultura clásica de Miquel Ángel y supo innovar sin provocar un conflicto entre sus obras y el arte tradicional. Con una técnica impecable mezcló en sus obras la influencia de Praxiteles y M. Ángel con la del simbolismo y el arte noveu. Rodin introdujo el modelado con los dedos y las manos con el objetivo de dar más rugosidad a las superficies. Esta técnica ayudaba a sugerir + vitalidad, le proporcionó la oportunidad de incorporar juegos lumínicos a las estatuas.


Iconografía
Es la imagen de un hombre reflexionando (a pesar de que en un principio quería ser Dante a la Puerta del Infierno). Por algunos críticos es el hombre primitivo que se eleva sobre la vida animal creando el primer pensamiento, otros creen que piensa en las preguntas filosóficas de elementales

Significado
Formaba parte del ambicioso proyecto de la Puerta del Infierno encargado por el gobierno francés en 1880 junto con otras 185 figuras. Este proyecto estaba basado en La Divina Comedia de Dante, y el pensador representaba al poeta contemplando el infierno. También salieron esculturas cómo El beso y Adam y Eva.

Función
La misión de Rodin era dar en la ciudad moderna monumentos modernos y quería también devolver al arte de la escultura la integridad estilística que había perdido

Almacenes Carson


Nom: Almacenes Carson, Pirie i Scott
Autor: Louis Sullivan
Cronología: 1899-1901
Localización: Chicago (USA)
Estilo: Escola de Chicago
Sistema constructivo: industrial. Hormigón, ferro i vidrio
Tipo de edificio: civil








Contexto histórico: Chicago era al principio un pueblo agrícola y ganadero al lado del lago Mishigan. El 1871 fue destruido por un incendio y se tuvo que reconstruir por completo. Muchos arquitectos participaron en la reconstrucción, la cual, debido a la carencia de suelo y a los elevados precios de estos, originó los característicos rascacielos.

Estilo: Estructuras metálicas que entre otras cosas, permitirán realizar edificios de gran estatura. Uso del pilar de hormigón como apoyo. Será la solución al desafío de construir sobre un tierra húmeda. Ventanas extendidas horizontalmente por toda la fachada, puesto que no serán necesarios los muros de carga. Posible eliminación de los muros de carga. Desarrollo del ascensor eléctrico. Se suprimen los elementos decorativos y se opta por las superficies lisas y acristaladas.

Análisis formal
Los almacenes Carson están sostenidos por un esqueleto formado por los nuevos materiales, como el cemento armado. Esto forma una estructura interna de hierro que permite hacer edificios mucho más altos, abrir grandes ventanas y diseñar los interiores libremente, sin depender de muros de carga.

Espacio exterior: La fachada presenta dos partes muy diferenciadas. La base del edificio, formada por el entresuelo y la primera planta, cerrados con amplios escaparates de vidrio situados a ras de fachada. En la base podemos encontrar dos bandas de rica ornamentación de hierro fuera. El resto de plantas siguen una construcción celular, repitiendo un mismo módulo que sigue un ritmo de ventanas horizontales. Estas ventanas son más bajas en la parte superior, y están separadas por una geométrica estructura de hormigón. La parte superior se cierra con una cubierta plana.
Sullivan resuelve el rompimiento de la esquina levantando un pabellón circular que sigue la estructura del cuerpo inferior del edificio, con una decoración muy exagerada en la parte baja. La fachada está proyectada para dejar entrar la luz.
La horizontalidad le da poca sensación de altura, a pesar de tener 10 pisos, cosa que le permite una mayor adaptación visual al entorno.
Espacio interior: La planta es libre, sólo columnas y pilares rompen la continuidad del espacio.
La luz es un elemento predominante en todo el interior.


Significado: Estos almacenes dan una doble lección de arquitectura: la articulación de un interior amplio y la disposición de unas fachadas abiertas que contribuyen a hacer el interior todavía más espacioso, aportándole luz natural. Son un auténtico antecedente de los almacenes actuales, y son también un claro antecedente del racionalismo arquitectónico posterior.

Función: Este edificio funcionó hasta el 2007 como grandes almacenes de la firma Carson, Pirie y Scott.


Modelos e influencias: Sullivan mantiene formas ornamentales influidas por el modernismo, que conoció en su visita en París, el edificio recoge la esencia de las innovaciones constructivas de la Escuela de Chicago.

Torre Eiffel

Título: Torre Eiffel
Arquitecto: Eiffel, Alexandre Gustave (1832 – 1923)
Cronología: 1887 - 1889
Localización: París
Estilo: arquitectura de Hierro
Materiales utilizados: Hierro
Sistema de construcción: con materiales Industriales






Contexto histórico: Especialmente importante por la arquitectura será el desarrollo de la Revolución Industrial. La industrialización hace posible la revolución de los transportes, el uso de nuevos materiales (hierro) y nuevas fuentes de energía (carbón/vapor). Como consecuencia de la industrialización, los estados europeos buscan nuevos mercados, . 

Los cambios políticos y económicos tienen consecuencias sociales 
La nueva sociedad industrial tiene nuevas necesidades. Las nuevas necesidades piden nuevas soluciones y nuevos materiales. 



Análisis Formal
Es una estructura de hierro formada por 18.000 piezas entrecruzadas fijadas por 2.500.000 remaches. 

El material de construcción se encuentra a la vista y es el elemento decorativo porque no hay ninguno otro recubrimiento ornamental , con excepción de la pintura que lo recubre 
El gran peso de la torre cae sobre 4 grandes pilares que parten de los ángulos de un espacio cuadrangular. A medida que la torre crece en altura, estos apoyos se inclinan y se curvan hacia el interior para acabar convirtiéndose en un único elemento. 
De los pilares salen cuatro grandes arcos semicirculares que ayudan a mantener el equilibrio y el peso de la torre. 
Grandes zócalos de hormigón sostienen los cuatro pilares. Cada uno de los pilares descansa sobre 8 gatos hidráulicos por el que se puede considerar que en realidad la torre tiene 32 patas.. Todo esto ayuda a minimizar la presión de la inmensa estructura. 
La estructura se completa con un entramado de vigas que se entrecruzan y que tienen la función de dar estabilidad a la torre frente a los vendavales 
La base de la torre es cuadrangular y no podemos diferenciar los espacios interiores y exteriores porque toda la estructura queda a la vista, no hay espacios cerrados 
A diferencia de los rascacielos modernos, la torre, tiene una estructura visible, con sólo dos plataformas intermedias y un mirador superior. 
Esta tiene tres pisos y se acceden mediante unos ascensores (símbolo de modernidad) o por escaleras 
El color original fue el amarillo, pero después se ha pintando de tonos diferentes.


Estilo: Pertenece al estilo del Arquitectura de hierro y de los nuevos materiales. Su característica fundamental es que da importancia a la búsqueda de soluciones para nuevos problemas constructivos (puentes, naves industriales, estaciones de ferrocarriles...).

Significado: El ingeniero francés Gustave Eiffel proyectó esta construcción para la Exposición Universal de París de 1889. Es considerado el máximo exponente de la arquitectura metálica.

Función: La estructura se empezó el 1887 para que sirviera como arco de entrada a la Exposición Universal, una feria mundial organizada para conmemorar el centenario de la Revolución Francesa.. ES UNA CONSTRUCCIÓN CONMEMORATIVA 

En el siglo XX la torre fue adquiriendo otras funciones: 
Actualmente tiene una función turística muy importante para la ciudad de París; 
Por su antena se salvó de la destrucción, puesto que a la Primera Guerra Mundial recibía las emisiones de radio alemanas. Después ha continuado teniendo esta función, emisión de programas radiofónicos y televisivos.